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“AUTO EUS – A DITADURA DA APROVAÇÃO SOCIAL” VOLTA PARA O TEATRO POEIRA

 Espetáculo solo de Adriana Perin mergulha em desconstrução, recomeços e empatia

Apresentações de terça a quinta-feira, às 21h, até 23 de maio

Depois de uma temporada de sucesso no Teatro Poeira, o espetáculo “Auto Eus – A Ditadura da Aprovação Social” volta em cartaz no mesmo teatro, em Botafogo, para mais seis semanas, a partir de 16 de abril. Em cena, a atriz Adriana Perin investiga as pluralidades e as “prisões” do ser humano e a aceitação da condição vulnerável de ser real, inteiro. As apresentações acontecem terça,quarta a quinta-feira, às 21h, até 23 de maio. “Auto Eus” é uma realização da Rodafilmes e da Brisa Filmes, uma das produtoras de “Dogville”.

Com direção de Raíssa Venâncio, a atriz-personagem narra uma espécie de jornada da anti-heroína numa viagem rumo à empatia por si mesma e, por consequência, pelo “outro”. Pelo Todo. Um percurso cênico que retrata vários desafios, entre eles, as expectativas de uma ilusória aprovação social e as decorrentes frustrações que isso pode trazer. “Auto Eus” também questiona os nossos abismos sociais, trazendo histórias densas sobre uma realidade aparentemente distante.

“Utilizamos a singularidade e a experiência pessoal da artista como disparador inicial do processo criativo”, explica a diretora Raíssa Venâncio. “A dramaturgia passa pela trajetória da atriz-personagem: o ex-casamento e as culpas e barreiras internas que permearam seu processo de ruptura; a viagem para a Índia, que acidentalmente se tornou um portal para a espiritualidade; a estadia aos 15 anos em um acampamento do MST; o projeto social de Cinema do qual faz parte, no sertão nordestino, em que adentra o universo de menores em conflito com a lei em unidades socioeducativas. Assim como a pesquisa nesses contextos sobre a desconstrução dela, como mulher”, completa Raíssa.

A dramaturgia foi escrita a seis mãos por Adriana, pela diretora Raíssa e pela diretora assistente Paula Vilela. A encenação também foi construída a partir de uma expressiva narrativa corporal, conduzida pela diretora de movimento Lavínia Bizzotto.

“O espetáculo fala sobre empatia e desconstrução. Depois de ter vivido tantos processos de investigação interna, surgiu a necessidade de criar um trabalho artístico sobre o eu ideal e o eu verdadeiro, sobre a aceitação de sermos tantos fragmentos. Usar o pensamento para nos definir é algo que nos limita”, conta Adriana Perin. “Em cada uma dessas jornadas é surpreendente o contato com as nossas sombras e nossas fragilidades, até que algo inesperado acontece: nós as abraçamos e seguimos com elas. E percebemos o quanto a autenticidade pode resultar em conexão”, completa.

O processo de criação investigou memórias, abismos e recortes vivenciados pela atriz na sala de ensaio, por meio de improvisos gravados em áudio, que depois foram transcritos. “Um dos nossos maiores desafios foi fechar o texto, pois abrimos várias janelas durante a criação e produzimos um material imenso. Auto Eus é uma costura de muitas histórias, e o ponto onde uma se conecta à outra foi nos surpreendendo. Permitimos que o projeto fosse o que ele quisesse ser de modo orgânico”, define Adriana.

O cenário de Constanza de Córdova e Fernanda Mansur remete às paredes de uma casa que, a cada cena, ganham novos significados com projeções que trazem memórias, pensamentos e colagens. A Luz de Renato Machado revela as recordações da anti-heroína embalando a sua jornada. A trilha sonora traz canções que marcaram a trajetória da atriz-personagem e também a músicas deDaniel Lopes, compostas especialmente para o espetáculo.

A primeira temporada de “Auto Eus – A Ditadura da Aprovação Social” no Teatro Poeira foi de 6 de fevereiro a 27 de março.

SOBRE ADRIANA PERIN

Formada em Teatro pela CAL e em Comunicação Social pela UFRJ, Adriana Perin tem 32 anos e é natural de Vila Velha, no Espírito Santo. Estudou atuação também em Londres, na RADA, e o canto. Aprofundou-se em linguagens como Viewpoints, Meisner, Contação de Histórias e Performance. Investigou o corpo como potência criativa com diretoras como Duda Maia, Ana Kfouri e Yael Karavan, experienciou a arte do ator com a Cia Barca dos Corações Partidos e mais recentemente tem mergulhado no universo da palhaçaria com mestres como Karla Concá, Márcio Libar e o canadense Olivier Terreault.

Ao longo de 11 anos de Arte no Rio de Janeiro, Adriana tem como marca uma interpretação bastante plural: atuou no Cinema, séries, novelas, campanhas publicitárias, como apresentadora, além de uma série de trabalhos como locutora e narradora – como em filmes e áudio livros. No Teatro, já atuou em mais de dez espetáculos, tendo sido premiada como Melhor Atriz em festivais no Rio e no Espírito Santo.

Desde 2013 integra o projeto Cinema no Interior, dirigido por Marcos Carvalho, que percorre pequenas cidades do sertão nordestino. Lá atua como professora das oficinas de interpretação e como diretora de elenco nos filmes realizados após as aulas. O projeto originalmente contempla o povo local, no entanto, em 2017, abrangeu também menores em conflito com a lei, sendo realizado dentro de unidades socioeducativas.

Adriana tem profundo interesse nas relações humanas e sociais, na espiritualidade e expansão da consciência, e estuda formas de investigar essa temática em processos artísticos.

AUTO EUS

A Ditadura da Aprovação Social

Temporada: de 16 de abril a 23 de maio – terça, quarta e quinta, às 21h

Local: Teatro Poeira – Rua São João Batista 104, Botafogo. Tel.: 2537 8053

Capacidade: 82 lugares. Duração: 80 min. Classificação etária: 16 anos.

Gênero: autoficção. Ingressos: R$ 25 (meia e lista amiga) e R$ 50 (inteira).

Bilheteria: de terça a sábado, das 15h às 19h. Domingo, das 15h às 19h.

Vendas online:www.tudus.com.br

www.instagram.com/autoeus_espetaculo

FICHA TÉCNICA

Elenco: Adriana Perin

Direção: Raíssa Venâncio

Dramaturgia: Adriana Perin, Paula Vilela e Raíssa Venâncio

Direção assistente: Paula Vilela

Direção de movimento e preparação corporal: Lavínia Bizzotto

Direção de iluminação: Renato Machado

Direção musical: Daniel Lopes

Direção de aarte: Constanza de Córdova e Fernanda Mansur

Ativação energética: Bruna Savaget

Designer gráfico: Pedro Pedreira

Mídias sociais: Natalia Crivilin

Direção de produção: Tarsilla Alves e Mariana Golubi

Produção: Juliana Espíndola

Produção executiva: André Garcia, Pedro Gui e Fernanda Thurann

Assistente de produção executiva: Pedro Pedreira

Realização: Rodafilmes e Brisa Filmes

Idealização: Adriana Perin e Pedro Gui

“TEM UMA MULHER NA NOSSA CAMA” ESTREIA NO THEATRO BANGU SHOPPING

• A peça ‘Tem uma mulher na nossa cama’ está de volta

  A atriz Maria Carol, no ar na novela da Globo ‘Verão 90’, e Marcelo Duque, do Canal Parafernalha, estrelam delicioso espetáculo sobre um casal apaixonado que se vê numa situação inusitada. Duas apresentações no THEATRO BANGU SHOPPING, em Bangu. Direção de Marcus Alvisi. Suspense e gargalhadas estão garantidos!

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  Romance e humor são os ingredientes de uma típica comédia de casal, mas acrescente uma situação pra lá de inusitada e uma dose de suspense a essa mistura e teremos a divertida peça “Tem uma mulher na nossa cama”, que faz curta temporada nos dias 1 e 2 de junho no Theatro Bangu Shopping, no Shopping de Bangu, na Zona Oeste do Rio de Janeiro. No palco, Maria Carol, que vive a musa Diana da nova novela das sete da Globo, “Verão 90”, e o comediante Marcelo Duque, do Canal do YouTube Parafernalha, interpretam Ludmila e Sandro, um casal que, após uma noitada e tanto, volta para casa, dorme bêbado e quando acorda dá de cara com uma mulher desconhecida na cama. Sem lembrar do que aconteceu na noite anterior, eles agora precisam descobrir como essa estranha foi parar no quarto deles. A partir daí o público irá se deliciar com as confusões, muita DR – a famosa “discussão de relação” -, as brigas e o romance em cena. A direção é do talentoso Marcus Alvisi, que sempre esteve à frente de grandes espetáculos e novelas.
  
  Em “Tem uma mulher nessa cama”, Maria Carol faz a sua primeira comédia de casal no teatro e, a primeira, sem dividir a cena com o tio, o diretor Jorge Fernando. A experiência, claro, tem enriquecido o seu trabalho. “Fazer comédia é sempre uma delícia e desafiador. Os 16 anos nos palcos, fazendo o ‘BooM’, foi uma grande escola, o melhor aprendizado que eu poderia ter. Mas eu fazia uma participação. A diferença desse espetáculo é estar em cena o tempo inteiro, ligada nas marcas…. Parece uma montanha-russa. O tempo da comédia é algo que vou levar sempre. Independentemente do espetáculo. E isso foi uma das grandes coisas que o ‘BooM’ me ensinou”, diz ela, que tem uma sintonia impressionante com Duque.

  “Na semana seguinte que conheci o Marcelo, ele e a Denise já me apresentaram esse texto e eu amei. Me diverti lendo e quis muito fazer. Estar em cena com o Marcelo é divertido demais. Ele é um cara alto astral, engraçado, que me faz rir o tempo todo. Nosso entendimento foi imediato. Parece que já o conheço há anos”, afirma ela. Na Globo, Maria Carol atuou nos folhetins “Vamp” (1991), “’Era uma vez” (1998), ‘Vila Madalena” (1999), “Sete pecados” (2007), “Guerra dos sexos” (2012) e “Alto Astral” (2015); e no especial “Nada fofa” (2008). Recentemente, no teatro, fez a peça elogiada pela crítica “Caos” (2018), ao lado de Rita Fischer.

  Ator e autor, Marcelo Duque, que participa do Canal no YouTube Parafernalha, aposta que o segredo da comédia de casal é a sintonia além da ficção. “A diferença da peça com dois atores que eu acredito é que tem que ter química até fora do palco. A troca de energia é o tempo todo, a gente tem que estar sempre ligado ao parceiro. A gente vira um só em cena. Eu e Carol nos demos muito bem desde a primeira leitura”, frisa ele, que elogia a colega: “Que mulher talentosa! Feliz por conhecer uma parceira de cena como ela”. Duque dirigiu e escreveu, também com Denise Portes, a comédia “Tricotando”, com Lady Francisco. Como ator, participou dos filmes “Minha fama de mau”, atualmente em cartaz nos cinemas; e “Tudo acaba em festa” (2018), com Marcos Veras. Na telinha, participou de “Malhação”, “Totalm ente demais”, “Tapas e beijos”, “Zorra total” e da série da Fox “Bruna Surfistinha”.

  “Tem uma mulher na nossa cama” é a segunda comédia da parceria Duque e Denise Portes. Para Denise, os espectadores se identificam com a vida a dois dos personagens. “O público se identifica de maneira leve e engraçada com o cotidiano de um casamento, apesar de os dois estarem em uma situação inusitada. O mais legal é que o casal é apaixonado, eles são parceiros que se meteram numa enrascada. A plateia se diverte, a peça tem suspense e amor. O que acho mais bacana é a parceria deles”, salienta ela. A trama ainda conta com a participação de Daianny Cristian. Em sua trajetória, Denise fez a peça “Salve Jorge“, sobre a vida do ator e diretor Jorge Fernando, que escreveu em parceria com ele mesmo. Ela foi roteirista dos curtas-metragens “Estava escrito”, sobre os pescadores em Copacabana, e “O presente”, um romance; e dos seriados “Hotel” e “Rango” – este último com Joaquim Vicente.

  Sobre o diretor
  O diretor Marcus Alvisi é conhecido por brilhantes trabalhos na TV e no teatro e pelas ótimas críticas. Entre os destaques de sua carreira como diretor estão: as novelas “As filhas da mãe” (2001), “Vila Madalena” (1999), entre outras; e as peças “Solidão, a comédia”, protagonizada por Diogo Vilela, em 1991, que recebeu os prêmios Apetesp e Shell de melhor espetáculo; “Diário de um Louco”, também com Vilela, em 1997, que levou os prêmios Shell e Mambembe de melhor espetáculo; e “BooM” (1999), com Jorge Fernando, e muitas outras.
  Alvisi e Maria Carol trabalham juntos há muitos anos, foi com ele que ela estreou no teatro. “Alvisi me dirigiu no ‘BooM’ e em novela, também. Ele é uma das minhas referências de teatro, um professor mesmo. E tenho intimidade e abertura com ele, isso é ótimo e essencial pro nosso trabalho”, orgulha-se ela.
  Já Duque atua pela primeira vez sob a direção de Alvisi. “Não o conhecia pessoalmente, só de trabalhos que ele fez em TV e teatro. Está sendo um grande aprendizado trabalhar com ele, um diretor do seu quilate, que dirigiu e dirige grandes estrelas”, gaba-se ele. E acrescenta: “Eu tive o prazer de fazer mais um texto com a minha parceira Denise, e está sendo muito bacana. O Alvisi deu uma cara muito legal ao texto. Foi entregue em boas mãos! ”
  “Tem uma mulher na nossa cama” tem a produção de Maria Rebello e Valéria Macedo. E a realização de Bons Dias Produções e Artlink Produções.

• SERVIÇOS
• Dias 01 e 02 de JUNHO /Sábado as 21:00 Domingo as 19:00
• Theatro Bangu Shopping
• Ingresso: 60 reais (Inteira) 30 reais (Meia) 20 reais
• (Lista Amiga) Enviar mensagem para o número 979272212
• Ficha Técnica:
• Texto: Denise Portes e Marcelo Duque.
• Direção: Marcus Alvisi.
• Com Maria Carol e Marcelo Duque.
• Participação: Daianny Cristian.
• Duração: 70 minutos
• Classificação:  14 anos
• Gênero: Comédia
• Possui estacionamento no Shopping
• Possui elevador e local para cadeirante
   

TOM NA FAZENDA nos teatros Firjan Sesi Duque de Duque de Caxias e de Jacarepaguá – 17 e 18 de maio

“Tom na Fazenda” tem apresentações em Duque de Caxias e Jacarepaguá em 17 e 18 de maio

 Obra do premiado autor canadense Michel Marc Bouchard aborda a inabilidade do indivíduo para lidar com o preconceito, violência e fracasso.

Idealizador do projeto, Armando Babaioff assina a tradução do texto e divide a cena com Kelzy Ecard, Gustavo Vaz e Camila Nhary. Direção do trirriense Rodrigo Portella.

 Espetáculo vencedor dos prêmios da Associação de Críticos de Teatro de Québec, Censgrario, Shell, APTR, Botequim Cultural, Questão de Crítica e Cenym.

 Fenômeno teatral carioca de 2017 e de 2018, o espetáculo teatral “Tom na Fazenda” tem apresentações nos teatros Firjan Sesi Duque de Caxias e Jacarepaguá nos dias 17 de maio (sexta, às 20h) e 18 de maio (sábado, às 20h). Idealizado pelo ator e produtor Armando Babaioff, que também assina a tradução, a peça é dirigida por Rodrigo Portella e traz no elenco Kelzy Ecard,Gustavo Vaz e Camila Nhary, além do próprio Babaioff. Desde sua estreia em março de 2017 no Rio de Janeiro, “Tom na Fazenda” fez 182 apresentações e já foi vista por mais de 21 mil pessoas.

 A peça é baseada na obra Tom à la Farme, do autor canadense Michel Marc Bouchard. Foi numa conversa com um amigo que Babaioff tomou conhecimento do filme Tom na Fazenda (2013), adaptação da peça homônima, com direção do franco-canadense Xavier Dolan. Arrebatado pela obra, o ator começou a traduzir a peça, que aborda a inabilidade do indivíduo para lidar com o preconceito, a impotência, a violência e o fracasso. Em cena, o publicitário Tom (Armando Babaioff) vai à fazenda da família para o funeral de seu companheiro.  Ao chegar, descobre que a sogra (Kelzy Ecard) nunca tinha ouvido falar dele e tampouco sabia que o filho era gay. Nesse ambiente rural e austero, Tom é envolvido numa trama de mentiras criada pelo truculento irmão (Gustavo Vaz) do falecido, estabelecendo com aquela família relações de complicada dependência. A fazenda, aos poucos, vira cenário de um jogo perigoso, onde quanto mais os personagens se aproximam, maior a sombra de suas contradições.

“No ano em que traduzi a peça, 347 pessoas foram assassinadas pelo simples fato de serem quem eram. O Brasil é o país que mais mata homossexuais no mundo, mais do que nos 13 países do Oriente e da África onde há pena de morte aos LGBT. O que me fascina em Tom na Fazenda é essa possibilidade de falar de assuntos que eu realmente acho necessário. Eu sinto essa necessidade de dizer para o mundo verdades das quais eu acredito”, diz Babaioff. “Somos felizardos em poder contar essa história e somos gratos à trajetória que o espetáculo está realizando sem qualquer recurso vindo de leis de incentivo”, completa Babaioff. “Tom na Fazenda” estreou no Rio de Janeiro em março de 2017 no Oi Futuro, com patrocínio da Oi. As temporadas seguintes — nos teatros SESI Centro, Dulcina, Poeirinha, Censgranrio, Leblon, no Imperator e no Sesc Santo Amaro —, quase sempre com ingressos esgotados, no entanto, não tiveram qualquer apoio.

Em junho de 2018, “Tom na Fazenda” foi apresentado no Festival TransAmériques (FTA), em Montreal, no Canadá –  um dos mais importantes eventos de artes cênicas do mundo —, com legendas em inglês e francês. As três apresentações naquele país renderam à peça o prêmio de melhor espetáculo estrangeiro pela Associação de Críticos de Teatro de Québec. A última temporada de “Tom na Fazenda” foi no Sesc Santo Amaro, em São Paulo, entre março e abril. A peça também participou no ano passado dos nos festivais de Curitiba (abril), Palco Giratório do SESC, em Porto Alegre (maio), Festival de Inverno de Garanhuns, em Pernambuco (julho), e Cena Contemporânea, em Brasília (agosto).

“Tom na Fazenda” conta uma história bastante comum entre jovens de várias gerações, mesmo de culturas diferentes. No Canadá, no Brasil, no Oriente Médio, no Japão ou na África do Sul, homens e mulheres jovens aprendem a mentir antes mesmo de aprenderem a amar. As famílias, guardiãs das normas sobre a sexualidade, garantindo sempre a heteronormatividade, inserem nos próprios membros a semente da homofobia. “Todo redemoinho que devastará a vida dos que fogem das normas surge no núcleo de suas próprias famílias”, comenta Rodrigo Portella, que opta, mais uma vez por uma encenação com poucos elementos para que as sutilezas das relações propostas pelo texto se sobressaiam. “Bouchard compôs uma obra de estrutura impecável. Ele vai fundo nas contradições dos seus personagens, o que os torna muito próximos de nós”, acredita o diretor.

INDICAÇÕES E PRÊMIOS

• Espetáculo vencedor do prêmi0 de melhor espetáculo estrangeiro da Associação de Críticos de Teatro de Québec.
• 30º Prêmio Shell de Teatro (5 indicações): Direção (Rodrigo Portella), Ator (Armando Babaioff e Gustavo Vaz), Cenografia (Aurora dos Campos) e Música (Marcelo H.). Espetáculo vencedor em duas categorias: Direção (Rodrigo Portella) e Ator (Gustavo Vaz).
• 5º Prêmio Cesgranrio de Teatro (7 indicações): Direção, Ator (Armando Babaioff e Gustavo Vaz), Cenário (Aurora dos Campos), Iluminação (Tomás Ribas), Espetáculo e Especial (Lu Brites, pela preparação corporal). Espetáculo vencedor em três categorias: Direção (Rodrigo Portella), Ator (Armando Babaioff e Gustavo Vaz) e Cenografia (Aurora dos Campos).
• 6º Prêmio Botequim Cultural (10 indicações): Direção, Espetáculo, Ator (Armando Babaioff), Ator Coadjuvante (Gustavo Vaz), Atriz Coadjuvante (Kelzy Ecard e Camila Nhary), Figurino (Bruno Perlatto), Cenografia (Aurora dos Campos), Iluminação (Tomás Ribas) e Música (Marcello H). Espetáculo vencedor em sete categorias: Melhor Espetáculo, Direção (Rodrigo Portella), Ator (Armando Babaioff), Ator Coadjuvante (Gustavo Vaz), Atriz Coadjuvante (Kelzy Ecard) e Cenografia (Aurora dos Campos) e Iluminação (Tomás Ribas).
• 12ª Prêmio APTR (6 indicações): Espetáculo, Produção, Direção, Ator (Armando Babaioff e Gustavo Vaz), Iluminação (Tomás Ribas) e Cenografia (Aurora dos Campos). Vencedor na categoria Melhor Espetáculo.
• Espetáculo vencedor do 7º Prêmio Questão de Crítica.
• Prêmio Cenym de Teatro Nacional (17): Espetáculo, Direção, Ator (A. Babaioff), Ator Coadjuvante (Gustavo Vaz), Atriz Coadjuvante (Camila Nhary e Kelzy Ecard), Texto Adaptado, Qualidade Artística, Qualidade Técnica, Elenco, Preparação Corporal (Lu Brites), Iluminação, Cenário, Montagem, Cartaz ou Programação Visual (Bruno Dante), Fotografia de Publicidade (José Limongi, Renato Mangolin e Ricardo Brajtman) e Trilha Sonora (Marcello H).  Espetáculo vencedor em oito categorias: Espetáculo, Direção, Ator (Armando Babaioff), Ator Coadjuvante (Gustavo Vaz), Atriz Coadjuvante (Kelzy Ecard), Qualidade Artística, Montagem e Preparação Corporal (Lu Brites).

Temporadas anteriores:

Rio de Janeiro

1ª – Oi Futuro (de 24 de março a 14 de maio de 2017)

2ª – Teatro Sesi Centro (de 31 de agosto a 30 de setembro de 2017)

3ª – Teatro Poeirinha (de 6 de outubro a 17 de dezembro de 2017)

4ª – Teatro Dulcina (12 a 28 de janeiro de 2018)

5ª – Teatro Cesgranrio (de 3 de março a 1 de abril de 2018)

6ª – Teatro Leblon (de 14 de abril a 27 de maio de 2018)

7ª – Imperator (de 10 a 23 de novembro de 2018)

São Paulo

8ª – Sesc Santo Amaro (16 de março a 28 de abril).

SOBRE MICHEL MARC BOUCHARD (autor)

Michel Marc Bouchard nasceu em Saint-Coeur-de-Marie, em Quebec, no Canadá. Formado em teatro pela Universidade de Ottawa, fez sua estreia profissional como dramaturgo em 1983 com Contre-nature de Chrysippe Tanguay, Écologist, e, desde então, escreveu mais de 25 peças que foram traduzidas em diversas línguas e apresentadas em muitos países e festivais. Bouchard foi condecorado Cavaleiro da Ordem Nacional de Quebec, em 2012.

Sua obra mais conhecida é Lillies (Les Feluettes ou la Répétition d’un Drame Romantique), que posteriormente foi roteirizada e dirigida por John Greyson em seu filme homônimo. The Painter Madonna foi sua primeira peça traduzida para o inglês. Entre suas obras mais conhecidas, destaque para The Coronation Voyage (Le Voyage du Couronnement), Down Dangerous Passes Road (Le Chemin des Passes-Dangereuses) e Written on Water (Les Manuscrits du Déluge). Sucessos no teatro, as peças The Orphan Muses (Les Muses Orphelines) e Tom at the Farm (Tom à la Farme) também foram adaptadas para o cinema pelos diretores Robert Favreau e Xavier Dolan, respectivamente.

Ao longo de sua carreira, Bouchard foi agraciado com importantes prêmios de artes cênicas no Canadá: Prix Journal de Montreal, Prix du Cercle des Critiques de L’outaouais, Moore Award Dora Mavor for Outstanding New Play, Floyd S. Chalmers Award Canadian Play. Recebeu nove prêmios Jessie Richardson Theatre Awards para as peças Lillies e Les Muses Orphelines.

SOBRE ARMANDO BABAIOFF (Idealizador, tradutor e ator)

Formado pela escola Estadual de Teatro Martins Pena e pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UNIRIO) em Artes Cênicas. Como integrante da Quantum Cia. de Teatro, Babaioff fez de diversas montagens sob a direção de Rodrigo Portella. Em 2004, protagonizou, ao lado de Vera Fischer, A Primeira Noite de um Homem, com direção de Miguel Falabella.

No teatro, participou ainda dos espetáculos O Santo e a Porca (2008), de Ariano Suassuna, com direção de João Fonseca, pelo qual foi indicado ao prêmio de melhor ator coadjuvante pela APTR; A Gota d’Àgua (2009), de Chico Buarque e Paulo Pontes, também com direção de João Fonseca; Rockantygona (2011), baseado na obra de Sófocles, com direção de Guilherme Leme Garcia; Escola do Escândalo, de Richard B. Sheridan, com direção de Miguel Falabella; A Propósito de Senhorita Júlia, de August Strindberg, dirigida por Walter Lima Jr.; O que Você Mentir Eu Acredito, de Felipe Barenco, com direção de Rodrigo Portella.

Em 2009, criou a produtora ABGV Produções Artísticas, em parceria com o amigo e ator Gustavo Vaz. Pela primeira vez atuou também como produtor de teatro, com a peça Na Solidão dos Campos de Algodão, com texto de Bernard Marie Koltès e direção de Caco Ciocler. O espetáculo lhe rendeu uma indicação ao Prêmio de Melhor Ator pela APTR.

Na TV, esteve em cartaz em Segundo Sol, de João Emanuel Carneiro, na TV Globo. Estreou na emissora na novela Páginas da Vida(2006), de Manoel Carlos. Também na Globo, participou das novelas Duas Caras (2010/2011), Ti-ti-ti (2010), Sangue Bom (2013) e A Lei do Amor (2016). Protagonizou a série DOAMOR, ao lado da atriz Maria Flor, no canal Multishow.  No cinema, recentemente protagonizou o longa Prova de Coragem, baseado no romance Mãos de Cavalo, do autor gaúcho Daniel Galera e direção de Roberto Gervitz. Participou também de Introdução à Música do Sangue, com argumento de Lúcio Cardoso e direção de Luiz Carlos Lacerda.

SOBRE RODRIGO PORTELLA (diretor)

Natural de Três Rios, interior do Estado do Rio, o autor e diretor Rodrigo Portella dirigiu 19 peças. No Rio, cursou direção teatral na UNIRIO e publicou Trilogia do Cárcere. Em sua cidade natal, fundou a Cia Cortejo. Realizou cerca de 200 apresentações de Antes da Chuva por todo o país com o projeto Palco Giratório. Atualmente, se dedica a pesquisar as experiências de Charles Deemer e o Hiperdrama no Teatro, por meio de uma bolsa da FAPERJ, sob orientação de Moacyr Chaves. É diretor geral do “Off Rio – Multifestival de Teatro de Três Rios”, que em 2018 chega à sua sexta edição.

Foi indicado ao Prêmio Shell 2013 (Melhor Direção por Uma História Oficial e Melhor Texto por Antes da Chuva), Prêmio APTR 2010 (Melhor Iluminação por Na Solidão dos Campos de Algodão) e Prêmio Cesgranrio 2016 (Melhor Texto por Alice Mandou um Beijo). Em 2018, dirigiu o espetáculo Insetos — em comemoração aos 30 anos da Cia. dos Atores —, que circulou pelas quatro unidades do Centro Cultural Banco do Brasil (Rio, Brasília, São Paulo e Belo Horizonte) e também Nerium Park, no dramaturgo Catalão Josep Maria Miró. Portella também está em cartaz no Rio de Janeiro com o espetáculo As Crianças.

• SERVIÇO
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• TOM NA FAZENDA
• Teatro Firjan Sesi Duque de Caxias: Rua Arthur Neiva 100, Circular. Tel.: (21) 3672 8341.
• Apresentação única: 17 de maio (sexta), às 20h.
• Ingressos: R$ 22 (inteira) e R$ 11 (meia).
• Lotação: 220 lugares. Duração: 120 min. Classificação etária: 18 anos.
• Teatro Firjan Sesi Jacarepaguá: Av. Geremário Dantas 940, Freguesia.
• Apresentação única: 18 de maio (sábado), às 20h.
• Ingressos: R$ 22 (inteira) e R$ 11 (meia).
• Lotação: 322 lugares. Duração: 120 min. Classificação etária: 18 anos.
• FICHA TÉCNICA
• Texto: Michel Marc Bouchard.
• Tradução: Armando Babaioff.
• Direção: Rodrigo Portella.
• Elenco: Armando Babaioff, Kelzy Ecard, Gustavo Vaz e Camila Nhary.
• Cenografia: Aurora dos Campos.
• Iluminação: Tomás Ribas.
• Figurino: Bruno Perlatto.
• Direção Musical: Marcello H.
• Guitarras e violões: Jr Tostoi e Marcello H.
• Preparação Corporal: Lu Brites.
• Coreografia: Toni Rodrigues.
• Programação visual: Bruno Dante.
• Mídias Sociais e Contrarregra: Egídio La Pasta.
• Hair Stylist: Ezequiel Blanc.
• Assistente de cenografia: Manu Libman.
• Assistente de figurino: Luísa Marques.
• Direção de Produção: Sérgio Saboya e Silvio Batistela.
• Produção executiva: Milena Monteiro.
• Produção: Galharufa Produções.
• Idealização: ABGV Produções Artísticas 

Espetáculo ‘Saia’ estreia, em 13 de maio, no Teatro Firjan SESI

Investigação sobre a superproteção e o instinto maternos, o espetáculo ‘Saia’ estreia, em 13 de maio, no Teatro Firjan SESI

Com direção de Joana Lebreiro, texto de Marcéli Torquato foi escrito durante

a 4ª turma do Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI no ano passado.

Em cena, estão as atrizes Eliane Carmo, Elisa Pinheiro e Vilma Melo

 Quando o herói grego Aquiles nasceu, sua mãe (a nereida Tétis) o banhou no Rio Estige na tentativa de torná-lo imortal. Mas segurou-o pelo calcanhar, parte do corpo que acabou vulnerável. O mito é uma das inspirações do espetáculo Saia, que estreia dia 13 maio no Teatro Firjan SESI, propondo uma investigação sobre a superproteção e o instinto maternos e a tentativa do ser humano de ter controle sobre a vida. O texto foi escrito por Marcéli Torquato durante as atividades da 4ª turma do Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI em 2018, coordenado pelo diretor e dramaturgo Diogo Liberano, e é sua primeira peça teatral. A história chega ao palco com direção de Joana Lebreiro e elenco que reúne as atrizesEliane Carmo (Neném), Elisa Pinheiro (Mãe) e Vilma Melo (Aquiles). A dramaturgia será publicada pela Editora Cobogó, assim como outras duas criadas na mesma turma do projeto: ‘Desculpe o transtorno’, de Jonatan Magella, e ‘Só percebo que estou correndo quando vejo que estou caindo’, de Lane Lopes. O lançamento dos livros será no dia 13 de maio, junto com a estreia da peça.

Quando a autora se tornou mãe, foi tomada pelo medo de morrer, de que sua filha ficasse sem mãe. Os recorrentes episódios de violência da cidade também a perturbavam. Esse foi o ponto de partida da dramaturgia. “Queria investigar essa característica da maternidade: a tentativa de controlar os riscos, de imunizar as filhas e filhos a todo custo. Não se pode fugir de tudo. É preciso que a vida aconteça”, explica.

O dramaturgo Diogo Liberano, que acompanhou todo o processo de escrita, comenta como foi bonito ver a autora se desafiando durante as aulas do núcleo. “Uma questão que sempre discutíamos era o que ela faria com esse medo que veio com a maternidade: confirmar sua existência ou dar um problema para ele? E ela acabou colocando em xeque o medo desta mãe numa história de muita delicadeza, que nos toca e afeta”, define Diogo.

A trama acompanha a rotina de uma mãe que, diante de um mundo violento, cria suas duas filhas literalmente sob a sua saia. O dia a dia não muda: é ir da casa ao trabalho, e vice-versa, até que um furo na vestimenta faz com que as crianças comecem a desconfiar da falta de acontecimentos em suas vidas.

“O texto é extremamente poético, cheio de metáforas nas entrelinhas e, ao mesmo tempo, põe em cena questões muito profundas e reais. É como um enigma, que vamos descobrindo aos poucos”, reflete a diretora Joana Lebreiro, que aceitou dirigir uma das peças criadas no Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI antes mesmo de saber qual seria. “Sei que o Diogo Liberano tem uma pesquisa de dramaturgia muito contundente e que os trabalhos vindo do núcleo seriam, no mínimo, instigantes. E estava certa. Gostei muito de todos, mas ‘Saia’ me arrebatou”, acrescenta.

Ao lado da diretora no time criativo estão Gabriela Estevão (diretora assistente); Ana Luzia de Simoni (iluminadora); Marieta Spada (diretora de arte) e Claudia Castelo Branco (diretora musical e trilha sonora), que compôs uma trilha original para o espetáculo. “Assim como a história apresenta situações cotidianas em cenas surrealistas, quis fazer essa mistura de elementos concretos e poéticos de uma forma experimental”, descreve Claudia. A equipe se completa com a diretora de movimento e preparadora corporal Tatiana Tiburcio, que partiu do jongo e da dança afro para a criação da movimentação das atrizes em cena: “A dança afro é carregada de símbolos, então cada gesto que trabalhamos tem múltiplos significados, como a própria dramaturgia. O jongo também tem uma ligação poética com a trama, já que o girar das saias na dança leva para longe o que é negativo e traz para perto o axé que nos protege”.

Sinopse

Duas crianças são criadas sob a saia da mãe até que um furo na vestimenta faz com que elas comecem a desconfiar da falta de acontecimentos em suas vidas. Saia é uma investigação sobre o instinto materno em um mundo violento.

Núcleo de Dramaturgia

Em sua quinta edição, o Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI nasceu da vontade de descobrir e desenvolver novos autores teatrais brasileiros e é aberto para quem gosta de escrita, com ou sem experiência em dramaturgia. O programa anual de estudo e criação mistura teoria e prática, por meio de atividades de leitura de textos filosóficos e dramaturgias escritas no decorrer dos séculos; discussões; exercícios individuais e de jogos textuais em dupla ou trio; e encontros presenciais com autores e artistas profissionais da cena contemporânea. Além dessas experimentações, os participantes escrevem duas dramaturgias, sob orientação de Diogo Liberano, coordenador do Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI: uma menor, com cerca de 15 páginas, e uma final de no mínimo 30 páginas. “Pedagogicamente a atividade se dá a partir de distintos modos e tipos de escrita que cada autor ou autora traz. As turmas são compostas por 15 pessoas, a cada ano, assim, a diversidade de modos de escrita é muito grande. Temos encontros semanais com a turma toda e também individuais, nos quais discutimos a dramaturgia de cada aluno de maneira bastante profunda”, conta Liberano. “É muito gratificante ver o resultado”.

Lançamento

Em parceria com a editora Cobogó, que edita, a Coleção Dramaturgia, haverá a publicação de três obras criadas durante a 4ª Turma do Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI: ‘Saia’, de Marcéli Torquato, ‘Desculpe o transtorno’, de Jonatan Magella, e ‘Só percebo que estou correndo quando vejo que estou caindo’, de Lane Lopes. O lançamento dos livros será no dia 13 de maio, junto com a estreia do espetáculo.

• FICHA TÉCNICA:
• Dramaturga: Marcéli Torquato
• Diretora: Joana Lebreiro
• Diretora assistente: Gabriela Estevão
• Atrizes: Eliane Carmo, Elisa Pinheiro e Vilma Melo
• Diretora de arte: Marieta Spada
• Diretora de movimento e preparadora corporal: Tatiana Tiburcio
• Diretora musical e trilha sonora: Claudia Castelo Branco
• Iluminadora: Ana Luzia de Simoni
• Programadora visual e mídias sociais: Thaís Barros
• Assessora de comunicação: Rachel Almeida – Racca Comunicação
• Fotógrafo da comunicação visual: Guilherme Silva
• Produtora: Clarissa Menezes
• Coordenador do projeto e do Núcleo de Dramaturgia Firjan SESI: Diogo Liberano
• SERVIÇO:
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• Saia
• Temporada: De 13 de maio a 18 de junho
• Teatro Firjan SESI Centro – Avenida Graça Aranha, 1 – Centro – Rio de Janeiro/RJ (Próximo ao Metrô – Estação Cinelândia).
• Telefone: 2563-4163.
• Dias e horários: 2ª e 3ª, às 19h.
• Ingressos: R$ 20 (inteira) e R$ 10 (meia).
• Lotação: 338 pessoas
• Duração: 1h15 minutos
• Classificação: 12 anos
• Funcionamento da Bilheteria: De segunda a sexta, das 11h30 às 19h30. Sábados, domingos e feriados, quando houver atração, duas horas antes da sessão.

“Hamlet Candidato” estreia em 9 de maio, no Sesc Copacabana

Com direção de Alexandre Mello e texto de Cecilia Ripoll, “Hamlet Candidato” estreia em 9 de maio, no Sesc Copacabana

Escrita por volta do ano 1600, “Hamlet”, de William Shakespeare, ecoa debates contemporâneos em “Hamlet Candidato”, peça idealizada e dirigida por Alexandre Mello, com texto inédito de Cecilia Ripoll. Em cena, questões sociopolíticas atuais emergem nos bastidores de uma montagem da tragédia shakespeariana. O espetáculo estreia em 9 de maio, no Teatro de Arena do Sesc Copacabana, e fica em cartaz até 2 de junho (de quinta a domingo, às 19h). No dia 20 de maio, será lançado o livro com o texto da peça, publicado pela Editora Cândido. Com direção de produção de Rogério Garcia, o espetáculo é uma realização da Usina D’Arte.

Trapaças em busca do poder, formações de redes de intrigas, desonestidades para obter informações sigilosas, acidentes misteriosos e armadilhas friamente calculadas estão em pauta em “Hamlet Candidato”. “O projeto surgiu de uma vontade de falar sobre ética a partir dos últimos eventos políticos que vivemos no país. Me lembrei de ‘Hamlet’ e pensei em abordar esse tema nos bastidores de uma encenação da própria obra de Shakespeare”, conta Alexandre Mello que, além de dirigir a montagem, integra o elenco de 14 atores.

Indicada ao Prêmio Shell 2019 pelo texto de “Rose”, a autora Cecilia Ripoll foi convidada por Alexandre e Rogério para participar do projeto. “Escolhemos alguns pontos de contato entre a obra de Shakespeare e o que estamos vivendo hoje no país. Acho que a linha mestra em ‘Hamlet Candidato’ seriam as articulações escusas para chegar ao poder”, conta.

A peça inicia logo após a estreia de uma montagem de “Hamlet”. Nos bastidores, o diretor (papel de Alexandre) está insatisfeito com o resultado do espetáculo. Mas o que parece ser apenas um problema da encenação acaba se revelando uma intricada trama que – a partir da maneira escusa em que um dos atores ganhou o papel principal – reverbera muito as questões políticas e culturais dos dias de hoje. As revelações que se sucedem mostram que, embora tenha sido escrita há mais de 400 anos, “Hamlet” ainda é capaz de falar do homem contemporâneo.

A cenografia de Julia Decache utiliza banners de diferentes produções teatrais, formando um grande tapete de patchwork – transmitindo a ideia de um grupo de teatro que resiste aos tempos difíceis e utiliza em cena o que tinha a mão como peças e móveis de outras montagens. A trilha sonora é assinada por Marcello H. “O elenco é muito musical. Eles fazem coros ao vivo dando um tom épico à cena”, explica o diretor.

Com mais de três décadas de carreira nas artes cênicas, Alexandre Mello fundou o Ateliê Alexandre Mello há quatro anos, em Laranjeiras. “Tinha o desejo de juntar as pessoas com que sempre quis trabalhar para criar parcerias que dialogassem com artes plásticas, cinema, filosofia”, diz. “Não somos um grupo, alguns artistas fazem parte de outras companhias, mas temos uma frequência das mesmas pessoas no ateliê.”

Durante a temporada de “Hamlet Candidato”, três projetos audiovisuais realizados no ano passado no Ateliê serão exibidos no Sesc Copacabana. Entre os dias 23 a 26 de maio, instalada na galeria do subsolo, a videoinstalação experimental “Medeia-Clark” mescla algumas experiências da artista plástica Lygia Clark com o mito da Medeia. O longa “Relato Breve” – feito a partir de um texto escrito por Alexandre e Zé Luiz Rinaldi, com a atriz Cris Amadeo no papel principal — será exibido em 21 de maio no Teatro de Arena. Já o média-metragem “Pierre Rivière” – baseado no livro “Eu, Pierre Rivière, que Degolei Minha Mãe, Minha Irmã e Meu Irmão”,organizado pelo filósofo francês Michel Foucault, sobre o jovem francês Pierre Rivière, que assinou a família em 1835 – será apresentado no foyer do Teatro de Arena, de 30 de maio a 2 de junho.

Sobre Alexandre Mello

Ator, diretor e professor de teatro há mais de 30 anos. Tem um olhar bastante específico sobre o trabalho do ator e desenvolve um conjunto de práticas e procedimentos para a criação de personagens e da cena. Dirigiu alguns sucessos como “Quebra Ossos”, “Um dia Qualquer”, de Julia Spadaccini, com quem tem uma parceria de longa data. Morou na Itália e na Dinamarca nos anos 1990, trabalhando como ator. Foi diretor artístico dos teatros Gonzaguinha e Ipanema nos projetos “Vem!” e “Vem. Ágora!”, além de curador do Festival Dois Pontos. Atualmente, Alexandre dá aulas na Escola Wolf Maya e em seu Ateliê, em Laranjeiras.

 SOBRE Ateliê Alexandre Mello

O Ateliê Alexandre Mello trabalha na criação e formação do artista da cena contemporânea. O procedimento de criação do Ateliê alia provocações filosóficas, práticas corporais de movimento e da dança, inspiração nas artes plásticas e na dramaturgia contemporânea. Entre as produções do Ateliê destacam-se “Quatro janelas para o paraíso”, com textos curtos de T. Williams, e “Os Figurantes”, de José Sanchis Sinisterra. A pesquisa com imagem desencadeou uma produção do longa-metragem “Relato Breve”, do média-metragem “Pierre Rivière” e da instalação de vídeos “Medeia Clark”.

 Sobre Cecilia Ripoll

Diretora, dramaturga e atriz, formada em Artes Cênicas pela UNIRIO. Indicada ao Prêmio Shell 2018 como autora por “Rose”, dramaturgia dirigida por Vinicius Arneiro e publicada pela Editora Cobogó. Selecionada para o projeto de intercâmbio BETSUD (Panorama Sur), participará de residência artística na Itália (Festival Castrovillare). Uma das fundadoras do Grupo Gestopatas, assina direção e dramaturgia de seus trabalhos mais recentes: “Paco e o tempo” (2016/2017) e “Paredolia” (2017).

• FICHA TÉCNICA
• Texto: Cecilia Ripoll
• Direção: Alexandre Mello
• Direção de produção: Rogério Garcia
• Diretora assistente: Isabella Lomez
• Assistente de direção:  Lucas Sereda
• Produção Executiva: Gabriel Garcia
• Cenografia: Julia Deccache
• Iluminação: Renato Machado
• Trilha sonora: Marcello H
• Programação visual: Raquel Alvarenga
• Figurinos: Ticiana Passos
• Assessoria de imprensa: Paula Catunda e Catharina Rocha
• Visagísmo: Diego Nardes
• Costureira de cenário: Nice Tramontin
• Elenco:
• Alexandre Mello
• Debora Salem
• Edson Zille
• Elaine Cury
• Merilyn Bernstorff
• Thaissa Szapiro
• Natalie Smith
• Yuri Farage
• Rodrigo Ferraro
• Pedro Cesar Lima
• Renan Rosselini
• Osvaldo Novais
• João Faria
• Suellen Elleres
• SERVIÇO – Espetáculo: “Hamlet Candidato”
• Temporada: de 9 de maio a 2 de junho de 2019, de quinta a domingo, às 19h.
• Local: Teatro de Arena –Sesc Copacabana. Informações: (21) 2547-0156.
• Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana.
• Ingressos: R$ 7,50 (associado do Sesc), R$ 15 (meia), R$ 30 (inteira).
• Ingresso solidário – R$ 15 (meia) com a doação de 1 kg de alimento para o Projeto Mesa Brasil do Sesc RJ.
• Bilheteria – Horário de funcionamento: De terça a sexta, das 9h às 20h.
• Sábados, domingos e feriados, das 12h às 20h.
• Capacidade: 260 lugares. Classificação: 16 anos. Duração: 90 minutos.
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• Lançamento do livro “Hamlet Candidato”: 18 de maio.
• Entrada franca. Horário a confirmar.
• Exibição do filme “Relato Breve”: 21 de maio.
• Entrada franca, às 19h.
• Instalação performativa “Medeia Clark”: de 23 a 26 de maio.
• Entrada franca, a partir das 17h.
• Exibição do tríptico “Pierre Riviére”: de 30 de maio a 2 de junho.
• Entrada franca, a partir das 17h.

‘Aérea’, uma comédia com Patricya Travassos, em Bangu De 03 a 05 de MAIO

TEATRO BANGU “FORA DA CARIDADE NÃO HÁ SALVAÇÃO” 12 MAIO – ÚNICA APRESENTAÇÃO

Fé, dor, renovação, esperança e amor são alguns dos elementos abordados no novo espetáculo, “Fora da caridade não há salvação”, de Cyrano Rosalém, que estará no Theatro Bangu Shopping, na próxima quarta-feira, dia 1º de maio às 19h00. No palco, Érica Collares e Rogério Fabiano dão conta do recado nessa emocionante história sobre renascimento. A direção também é assinada por Rosalém. Em tempo: os atores e a equipe já são referência pelo país em peças com tema espírita. Há sete anos, eles viajam em turnê pelo Brasil com quatros produções sobre o tema, entre elas “Allan Kardec – Um olhar para a eternidade”, sucesso de público e visto por mais de 500 mil pessoas em cem cidades no Brasil. A nova peça poderá ser vista apenas às quintas-feiras, às 18h, até o dia 27 de junho.

O espetáculo se passa num quarto de hospital, onde José está internado devido a um câncer. Ateu convicto, ele tem conversas diárias com a enfermeira espírita Maria. Os assuntos versam não somente sobre a doença dele, mas sobre a existência da espiritualidade. Nem ele nem ela têm pudores de falar sobre as suas vidas pessoais e suas trajetórias. Os embates sucedem-se o tempo todo, ora cômicos, ora trágicos. Mas, sem que percebesse, a índole materialista de José irá se transformando. Num trecho da peça, Maria diz: “Se as dores do seu irmão não lhe causam dor, então, quem precisa de ajuda é você”. A peça foca no pensamento positivo. “A mensagem é: acredite em você mesmo. Nunca desista”, enfatiza o autor Cyrano Rosalém, que teve num sonho a inspiração para criar o texto. “Os personagens são completamente fictícios. Foi um sonho que eu tive. Tanto que escrevi a peça em uma semana. Ela veio pronta na minha cabeça. “

Há sete anos atuando como Allan Kardec e, há dois, como Léon Dennis e Chico Xavier, nos teatros, dessa vez, Rogério Fabiano tem a missão de interpretar um personagem fictício. “Fazer o José será um desafio. É um personagem muito forte, doente e cheio de raivas do mundo. Eu fico muito emocionado quando leio a peça. É diferente de quando faço Kardec, Léon Dennis ou Chico Xavier, que são personagens históricos, reais. O meu José nascerá das minhas emoções, de dentro de mim”, diz Rogério, que complementa: “É um texto tradicional, um drama, no qual os conceitos espíritas entram através da generosidade da enfermeira em cima da amargura, do mau humor e da descrença do paciente”.

A atriz Érica Collares surge em cena como a enfermeira Maria, que, através do espiritismo, tenta transformar o descrente José em uma pessoa melhor. “Maria é uma enfermeira altamente espiritualizada e que vê em um paciente a possibilidade de resgatar um carma do passado. Com muito bom humor e sabedoria, ela consegue criar uma relação com José e tenta transformá-lo e ajudá-lo a entender melhor a sua doença e a tornar-se um ser humano melhor”, explica Érica, que está encantada com o novo desafio.

“Este espetáculo é um presente divino, no qual os fundamentos do espiritismo são colocados em prática. A peça mostra exatamente como é um processo de evolução espiritual da alma no plano terrestre. Eu estou muito feliz em mostrar, através da arte, algo tão essencial. É um espetáculo surpreendente, a cada cena uma novidade e com uma surpresa deliciosa no final”, conta ela.

A direção também coube a Rosalém e ele conta como é a jornada dupla de acumular as funções de autor e diretor: “Difícil. Ser o autor e dirigir o próprio texto é sempre difícil. Tem seus prós e contras. O pró é que a peça já veio inteira pronta na minha mente. O contra é ser – e tem que ser assim – magnânimo pra aceitar todas as sugestões que vierem, seja dos atores ou dos técnicos. Mas, no fim, o filtro sou eu. ”

• FICHA TÉCNICA
• Direção: Cyrano Rosalém
• Direção Musical: Cyrano Rosalém
• Texto: Cyrano Rosalém
• Elenco:  Érica Collares e Rogério Fabiano.
• Cenário: Guillermo Luis Dalchiele
• Figurino e adereços: Erica Collares
• Iluminação: Guillermo Luis Dalchiele
• Produção e realização: Entre Entretenimento
• SERVIÇO
• Fora da Caridade Não Há Salvação
• Temporada: Dia 01/05 às 19h00 (Única Apresentação)
• Theatro Bangu Shopping: Rua Fonseca 24 Espaço 174, Bangu – Rio de Janeiro – RJ.
• Telefone: (21) 3577-0076
• Dia e horário: Quarta-feira às 19h00
• Ingressos: R$ 60 (inteira) e R$ 30 (meia). LISTA AMIGA: R$ 20 (enviar mensagem para o WhatsApp 979272212)
• Lotação: 516 pessoas
• Duração: 60 minutos
• Classificação: Livre
• Funcionamento da Bilheteria: Todos os dias de 10h00 às 22h00. Débito e Crédito.
• Possui estacionamento próximo ao Theatro.

POETA GERALDO CARNEIRO É O CONVIDADO DO TABLADO ESTA SEMANA

GERALDO CARNEIRO É O CONVIDADO DESTA SEMANA DO PROJETO TEATRO TÔNICO, DO TABLADO

Ciclo de palestras de introdução à história do teatro reúne importantes nomes das artes cênicas

O poeta Geraldo Carneiro é o terceiro convidado do projeto Teatro Tônico, ciclo de palestras de introdução à história do teatro ocidental promovido pelo Tablado. O tema do encontro desta sexta-feira (26/4) é “Shakespeare e a invenção do Renascimento”. Geraldo Carneiro discorrerá sobre o rompimento com as tradições do teatro medieval, indo da Era Elisabetana (XV D.C). a William Shakespeare (1564/1594). A palestra começa às 20h e os ingressos custam R$ 40.

Teatro Tônico – São 16 encontros temáticos, um por semana (sexta-feira, às 20h), voltados para profissionais e estudantes de teatro, professores e interessados em cultura em geral. Importantes nomes das artes cênicas como Cacá Mourthé, Érika Rettl, Hamilton Vaz Pereira, Isabela Fernandes, Lídia Kosovski, Lionel Fischer, Renato Icarahy, Ricardo Kosovski e Venício Fonsecavão ministrar as palestras, com duração de 120 minutos.

• TEATRO TÔNICO
• Ciclo de palestras sobre a história do teatro
• Data: de abril a agosto – sextas-feiras, às 20h
• Local: O Tablado – Av. Lineu de Paula Machado 795, Lagoa.  Tel.: 2294 7847
• Capacidade: 150 pessoas. Classificação etária: livre. Duração: 120 min.
• Valores: R$ 40 (cada palestra) ou R$ 400 (todas as palestras)
• Inscrições: teatrotonico@otablado.com.br | Informações: (21) 2294 7847
• Programação completa: www.otablado.com.br

Luiz Gonzaga para Crianças volta no Teatro XP Investimentos

Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças volta ao cartaz em 4 de maio no Teatro XP Investimentos

Primeira peça do premiado projeto Grandes Músicos para Pequenos, ‘Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças’ volta ao cartaz, dia 4 de maio, no Teatro XP Investimentos, no Jockey Club

Fábula baseada na vida do Rei do Baião já foi vista por mais de 100 mil pessoas e recebeu indicações para os prêmios CBTIJ e Zilka Salaberry

Visto por mais de 100 mil pessoas, que se encantaram com a emocionante adaptação da vida do Rei do Baião para os palcos, o musical infantil Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças volta ao cartaz no dia 4 de maio para uma curta temporada, no Teatro XP Investimentos (no Jockey Club), até 26 de maio.

O espetáculo faz parte do projeto ‘Grandes Músicos para Pequenos’, criado pela produtora Entre Entretenimento com o objetivo de levar para os palcos nomes importantes da cultura brasileira em montagens que mesclam biografia e canções do artista escolhido. A peça estreou em 2013 e deu início ao projeto, que reúne hoje outros três premiados espetáculos: “O Menino das Marchinhas – Braguinha para Crianças”, “Bituca – Milton Nascimento para Crianças” e “Tropicalinha – Caetano e Gil para Crianças”.

Com direção de Diego Morais e direção musical de Guilherme Borges, Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças conta passagens da infância de Luiz Gonzaga no interior do Nordeste, com destaque para a descoberta do amor, quando o jovem Luizinho (Pedro Henrique Lopes) se apaixona por Nazarena (Aline Carrocino), filha de um coronel que não permite o namoro deles. No elenco, também estão Martina Blink e Sergio Somene. O resultado é uma fábula de amor inocente, voltada para toda a família, embalada por grandes sucessos do músico, como “Asa Branca”, “Que Nem Jiló”, “Baião”, “O Xote das Meninas”, “Olha Pro Céu”, entre outros.

O espetáculo foi indicado em 8 categorias nos maiores prêmios de teatro infantil do Rio de Janeiro e Aline Carrocino foi premiada como Melhor Atriz no Prêmio CBTIJ de Teatro Infantil 2015.

“As crianças se divertem e os adultos sempre se emocionam. E o que buscamos é exatamente isso: um espetáculo que, ao mesmo tempo, aproxime as gerações, valorize a cultura brasileira, e que desperte a curiosidade. Muitas crianças pedem aos pais para escutarem as canções de Luiz Gonzaga depois de assistirem ao musical”, conta o diretor Diego Morais.

 Grandes Músicos para Pequenos

Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças marcou a estreia do projeto “Grandes Músicos para Pequenos”, criado com o intuito de apresentar a vida e a obra de importantes compositores para as novas gerações. Depois, vieram O Menino das Marchinhas – Braguinha para Crianças, que estreou em 2016 e foi premiado em três categorias pelo CBTIJ –  Melhor Atriz em Papel Coadjuvante (Martina Blink), Direção de Produção (Entre Entretenimento) e Prêmio Especial pela qualidade do projeto (Diego Morais e Pedro Henrique Lopes), além de outras 12 indicações – Bituca – Milton Nascimento para crianças, de 2017, vencedor do Prêmio CBTIJ de Melhor Ator (Udylê Procópio) e de quatro estatuetas no Prêmio Botequim Cultural: Melhor espetáculo infanto-juvenil, Melhor Direção (Diego Morais), Melhor Roteiro (Pedro Henrique Lopes) e Melhor Atriz Coadjuvante (Aline Carrocino), além de outras 11 indicações – e Tropicalinha – Caetano e Gil para Crianças, de 2018, vencedor dos prêmios Brasil Musical 2018 de Melhor espetáculo Infantil, Musical Rio 2018 como Melhor Espetáculo Infantil, e Botequim Cultural de Melhor Direção Infanto Juvenil, além de outras 8 indicações.

As três peças juntas já foram vistas por mais de 150 mil espectadores. O objetivo do Grandes Músicos para Pequenos é apresentar a vida e a obra de importantes compositores para as novas gerações e promover o resgate da cultura brasileira através de espetáculos que envolvam toda a família em experiências inesquecíveis.

“A ideia é trazer o legado de uma cultura quase esquecida para as novas gerações, com um conteúdo atraente para as famílias”, descreve Pedro Henrique Lopes, autor das peças do projeto. “Queremos criar experiências de entretenimento inesquecíveis e marcantes, onde o espectador participe de forma ativa”, explica o diretor Diego Morais.

Mais sobre o espetáculo e o projeto em: www.grandesmusicosparapequenos.com.br

•  Ficha técnica:
• Direção: Diego Morais
• Direção Musical: Guilherme Borges
• Texto: Pedro Henrique Lopes
• Elenco: Pedro Henrique Lopes (Luizinho), Aline Carrocino (Nazinha), Martina Blink (Santana / Elvira) e Sergio Somene (Januário / Raimundo)
• Cenário: José Claudio Ferreira
• Figurino e adereços: Wanderley Nascimento
• Iluminação: Pedro Mendonça
• Produção e realização: Entre Entretenimento

• Serviço:
• Luiz e Nazinha – Luiz Gonzaga para Crianças
• Temporada: 4 a 26 de maio (Não haverá apresentação em 19/05)
• Teatro XP Investimentos: Av. Bartolomeu Mitre, 1.110-B – Gávea – Rio de Janeiro – RJ.
• Telefone: (21) 3807-1110.
• Dias e horários: Sábados e Domingos, às 16h.
• Ingressos: R$ 60 (inteira) e R$ 30 (meia).
• Lotação: 366 pessoas
• Duração: 55 minutos
• Classificação: Livre
• Funcionamento da Bilheteria: Terça-feira, das 13h às 17h, quarta a sexta-feira, das 17h às 21h, Sábados, das 13h30 às 21h e Domingos, das 13h30 até a hora do espetáculo em cartaz.
• Possui estacionamento